Palavras do Abismo

Em "Sinners", os gémeos Smoke e Stack (interpretados por Michael B. Jordan) regressam ao Mississippi, depois de se terem envolvido em atividades obscuras em Chicago. Estamos nos anos 1930, ainda marcados pela segregação racial, exploração e opressão de negros. Com o dinheiro que ganharam por outras bandas, regressam a casa com o intuito de abrir um bar que seja um espaço seguro para a comunidade negra, onde se possam divertir, ouvir boa música e sentir-se acolhidos.

Durante esta fase do filme estamos num drama histórico, que se desenrola a um ritmo algo lento. Todas as ações são relacionadas com a preparação da abertura do bar, desde arranjar músicos, porteiros ou pessoas para cozinhar, até afastar olhares indesejados e ladrões. Tudo culmina na inauguração do bar, e há até um momento musical muito poderoso, em que o primo dos gémeos, Sammie, dá um show com a sua guitarra de blues e voz potente, numa cena que mistura passado, presente e futuro. Pode causar alguma estranheza, mas demonstra inequivocamente o poder da conexão ancestral do blues e é um dos grandes apogeus do filme.

Ora está-se em plena festa quando as coisas mudam de figura e uma entidade maligna entra em ação. É então que tudo muda de registo - passamos da sensação de estarmos a ver um drama histórico para um filme de terror. O contexto era necessário, mas não sei se não foi abrupto, como se fossem dois filmes separados. Nesta parte do filme, as criaturas maléficas provocam uma luta pela sobrevivência caótica, que dá fogo ao filme.

Gostei do filme, é uma grande produção, tecnicamente irrepreensível, com boa música, excelente fotografia, grandes interpretações, e acho que o Oscar de Melhor Ator de Michael B. Jordan é merecido. No entanto, 16 nomeações parece-me exagerado para um filme que não é tão bombástico como o hype fazia antever. Talvez se justifique pela escassez de qualidade dos últimos anos. De qualquer forma, é uma recomendação segura, a que lhe falta talvez um final mais pungente e um medo viscarel, memorável, e personagens menos presas à alegoria.

A saga Scary Movie sempre serviu para mim como uma coisa leve para ver num domingo à tarde, daqueles em que não apetece fazer nada nem um filme que faça pensar muito. Antigamente, era uma paródia decente, gargalhadas garantidas, era espirituoso, era engraçado sem ser gratuito. Portanto, não esperava nada de especial do novo Scary Movie a não ser passar uma hora e tal com entretenimento razoável.

Mais eis que cometi o erro de o ver, e foi penoso, muito penoso. Deu-me a sensação que escreveram as piadas primeiro, e depois desenrolaram as cenas de forma ridícula para fazer a piada funcionar, mas nada ligou com nada. Tentaram colocar piadas políticas e sociais atuais (nada contra, pelo contrário), mas parece que foram coladas sem qualquer ligação ou brio, deslocadas da cena em questão e introduzidas à força. Foram mais as vezes que bocejei do que aquelas que ri (acho que foi só uma).

Foi desinspirado, preguiçoso, forçado, mal escrito, uma confusão. As interpretações também nunca me pareceram tão más e exageradas. Os atores dos filmes originais ainda escapam (por pouco), mas os novos parecem o Mr. Bean nas drogas. 

Conseguiram estragar algo com uma receita tão simples. Lamento todas as perdas relacionadas com este filme - perda de tempo, perda de dinheiro para quem pagou, perda de recursos naturais para se fazer esta bosta. Não é só o pior Scary Movie de sempre, acho que é o pior filme de sempre.

Todos estamos familiarizados com os horrores do nazismo e já vimos inúmeros filmes, documentários, séries ou livros sobre o tema. Por essa razão, seria de esperar que aprendêssemos com os erros do passado, mas estes tempos em que vivemos dizem-nos que o mal é cíclico e que a memória coletiva se esbate com o tempo, parecendo ficção longínqua. É por isso que filmes como este são necessários, pois tornam-se testemunhos do horror impossível de apagar, e com os quais temos forçosamente de aprender.

O filme centra-se na máquina propagandista nos anos decisivos do Terceiro Reich (1938 - 45), nos quais Joseph Goebbels foi o ministro da propaganda. O seu papel era passar a mensagem, a qualquer custo, que a Alemanha estava em perigo e que apenas um homem a poderia salvar. Tinha de colocar o Führer como o único salvador da pátria e tinha carta verde para usar os meios que fossem necessários para convencer o povo.

E foi isso que fez - usurpou o cinema e outras formas artísticas para enaltecer as qualidades de Hitler; usou técnicas para fazer parecer que existiam mais pessoas nas ruas, mais bandeiras, mais ovações, do que realmente existiam; amplificava e exagerava momentos-chave, dava a volta ao texto e tornava tudo num ataque à Alemanha; controlava todos os media; conseguiu implantar a ideia de que os judeus eram reles, inferiores, ratos imundos que deviam ser exterminados sem contemplações. Até conseguiu justificar através da retórica que também as crianças judias deviam morrer, para não se vingarem mais tarde da morte dos pais.

Durante todo o filme vamos vendo algumas imagens reais e percebemos imediatamente como essas técnicas são aplicadas, e isto devia ser uma arma para nos defendermos ao dia de hoje. A manipulação, a propaganda e as fake news sempre existiram, tiveram consequências nefastas e que nos marcarão para sempre enquanto sociedade. Temos tudo à nossa disposição para não voltarmos a cair nas mesmas artimanhas, e no entanto aqui estamos a assistir à destruição do mundo por ditadoreszecos sedentos de um lugar na História.

É muito difícil resumir a propaganda nazi num filme, e essa é talvez a maior crítica - haveria muito mais por mostrar, e por isso talvez devesse ser uma série. Não obstante, é um instrumento de aprendizagem e de memória muito válido e que nos oferece boas interpretações, em que destaco Robert Stadlober no papel de Goebbels. Fornece uma forte carga autoritária e emocional, funcionando muito bem para também nos mostrar que o Hitler não estava sozinho e que tinha a seu lado pessoas que possibilitaram que acontecesse tudo o que aconteceu, especialmente este seu braço direito que se tornou o número dois do regime. Um autêntico mestre propagandista que no fim não teve pudor em matar os próprios filhos para não deixar pontas soltas.

Estava curiosa para ver o Frankenstein pela mão de Guillermo del Toro, e no geral não me desiludi. A sua estética característica está lá, a produção é excelente, assim como as interpretações dos atores, e até mesmo a adaptação do livro de Mary Shelley é bem feita - talvez a melhor das adaptações Frankenstein. 

No entanto, tenho uma crítica a fazer (e que ninguém perguntou): o monstro é bonito.

É suposto o monstro criado por Victor Frankenstein ser grotesco, provocar repulsa ao olhar, medo, pânico. No fundo, ele é feito de cadáveres e órgãos alheios; quer-se que seja fisicamente anti-natura, feio, uma anormalidade. Este "monstro", no entanto, pareceu-me saído de um Fantasma da Ópera ou de um filme da Disney, o que mudou o meu sentimento ao ver o filme - deixou de me parecer um monstro para parecer um adulto infantilizado. 

A humanização do monstro é algo chave para a narrativa, sim, mas em termos psicológicos e não físicos. Caso contrário, quase nos esquecemos da origem nefasta da sua existência. Ao tornar o monstro bonito, a empatia surge mais rapidamente do que era suposto e a ideia de Mary Shelley (quem é o monstro - a criatura ou o criador?) perde alguma força. Sentimos mais pena do que medo, menos desconforto, menos impacto emocional. Simplesmente, se a criatura é bonita, não será uma falha assim tão grande no conflito ético / científico que domina o início da sua criação.

Se calhar estou a pensar demais, mas que dizer, olhem bem para estes beiços carnudos e cabelo à D'Artagnan.

Anthony Hopkins é Anthony, um octogenário que está aos poucos a perder a noção da realidade. A demência é o prato forte do filme, apoiado por interpretações fabulosas não só do protagonista, vencedor do Óscar de Melhor Ator, como também de Olivia Colman, no papel da sua filha, Anne.

Vivemos o dia-a-dia de Anthony, experienciando os detalhes cada vez mais confusos que se passam dentro da sua cabeça. O próprio espectador não sabe o que é real, o que é uma mistura de vivências, ou o que é completamente inventado. Este pormenor é de uma delicadeza bruta, já que nos permite experienciar o que é ver o mundo através dos olhos de alguém senil - no fundo, colocarmo-nos no lugar do outro.

Começamos por ver um Anthony capaz de usar o humor e o charme para fugir à dura realidade, e até para desviar as atenções do assunto, mas depressa se torna devastador e de partir o coração. O facto de assistirmos a tudo na sua perspectiva torna tudo mais palpável e desperta-nos a empatia que podia faltar para compreender o que é o desmoronar de todas as nossas memórias, sentindo como nossas as suas dores.

Tudo isto suportado por um argumento maravilhoso, também vencedor de um Óscar. E que merecido. Aconselho este filme a todos - é uma viagem triste, sim, mas necessária, um autêntico abrir de olhos perante aquilo que nunca iremos verdadeiramente compreender.

Por fim, sinto uma necessidade extrema de agradecer ao Anthony Hopkins, por tudo o que ele foi e por tudo o que ainda é para o cinema mundial. Uma inspiração e um talento inesgostáveis, e este filme é, para mim, o ponto alto de uma carreira brilhante e um dos seus papéis mais humanos e inspiradores.

Rosamund Pike é Marla Grayson, tutora legal de idosos. Ao contrário do que pensamos serem as características de alguém com essa função, onde pelo menos esperamos compreensão e empatia, Marla é implacável, calculista, fria, e também uma boa actriz no que toca a esconder os seus verdadeiros sentimentos relativamente aos idosos. No fim de contas, são só isso, contas, números, legados que ela pode vender e rentabilizar. Juntamente com a sua sócia e namorada, Fran, dirige este negócio com mão de ferro e inteligência, o que lhe rende fama, muito dinheiro e boa reputação junto daqueles a quem pretende enganar, tornando a sua vida muito fácil.

No meio deste mar de rosas de enganos, surge uma idosa que é a vítima perfeita. Tem um óptimo pé de meia, uma casa valiosa e, mais importante do que tudo, não tem familiares que possam levantar entraves ao processo que se está prestes a iniciar - alegando que está a perder as faculdades mentais e que é um perigo para si própria, Marla e companhia conseguem facilmente convencer um juiz de que esta idosa, que até então era perfeitamente independente e tinha uma boa vida, deverá ser encaminhada para um lar, medicada, sedada, e que Marla deverá ficar responsável por ela e pelo seu património. Txaran!

Mas eis que esta idosa não é uma mulher qualquer, anónima, sem ninguém, como inicialmente Marla pensava. É então que entra em cena Roman (Peter Dinklage, devem lembrar-se do saudoso Tyrion de Game of Thrones), com a pretensão de resgatar aquela mulher a qualquer custo, sem ainda saber que Marla é uma autêntica leoa dura de roer. Dá-se início a uma troca de galhardetes menos simpáticos de parte a parte.

Rosamund já ganhou um globo de ouro por esta performance, e não ficarei admirada se for nomeada aos Óscares. Ela está para este papel como os meus livros para a estante - ficam tão bem ali encaixados. Capaz de despertar no espectador tanto sentimentos de repulsa como de admiração, é um dos pontos altos de I Care a Lot. Odiamo-la, mas odiamo-la com paixão. Símbolo do capitalismo desenfreado, a sua personagem é o epíteto da manipulação.

Não é um filme que vai agradar a todos. Penso que a maioria das pessoas, que anseia por heróis, vai ficar desiludida - aqui, não os há. Não existem personagens boas (tirando algumas de participação curta) para lhes aquecer o coração e dar esperança - alguém por quem torcer. Isto é uma guerra entre pessoas promíscuas, e o prazer de assistir a este filme está também na observação desse confronto caótico de egos e de poder. Outro ponto que podem não gostar é que há não só um, mas dois plot twists, que vão mudar tudo, e quiçá estragar a experiência a espectadores que não estão para aí virados. 

Para além de toda a ação e humor negro, o filme é um retrato da realidade podre do sistema de saúde e cuidados americano, onde há engano, conluio, violência e muito pouca dignidade para os visados.

Estamos no Século XVIII e a Inglaterra está em guerra com a França. A rainha Anne (Olivia Colman) tenta governar como pode mas, devido à progressão da gota, o seu discernimento e capacidade de decisão incertos dão poder à sua amiga, Lady Sarah (Rachel Weisz) para tomar decisões em seu nome. As duas têm uma relação muito próxima e misteriosa, mas parecem entender-se, de uma forma ou outra, sobre os destinos do país e da guerra, que assentam nestas duas mulheres naturalmente líderes.

A relativa paz foi perturbada quando Abigail (Emma Stone) chegou. Prima afastada de Lady Sarah, chega aos aposentos reais pedindo trabalho e o seu charme e juventude sensibilizam a parente. Aos poucos, Abigail vai impondo a sua presença e, com a sua jovialidade e os seus modos prestáveis, ganha a confiança da rainha. Forma-se um trio de mulheres de força que ao início funciona como uma máquina oleada, mas onde a sede de poder e a ambição vão afectando as engrenagens...

Este filme era o meu preferido na corrida ao Melhor Filme nos Óscares, por diversas razões. É realmente diferente - apesar de ser um filme de época, tem técnicas que não estamos habituados a ver neste género. Tem uma abordagem sarcástica, explícita e inteligente, num argumento fortíssimo. A fotografia e cinematografia são de topo. A banda sonora é inesperada e assenta que nem uma luva. O casting é maravilhoso. O realizador Yorgos Lanthimos fez um trabalho extraordinário. É daqueles filmes que vai ser visto daqui a 20 anos e vai continuar a ser um marco.

Para além dos aspectos mais técnicos, explora a natureza corrupta humana de uma forma que extrapola convenções, inserida numa tragédia barroca que provoca a moralidade. Há também toques de surrealismo em determinadas situações mas que, curiosamente, não nos provocam estranheza. Outra coisa inédita é que não existem personagens especialmente simpáticas ou que inspirem confiança, coisa que vai totalmente contra "as regras" que estamos habituados a observar no cinema. Aliás, este filme proporciou-me uma experiência rara - mudei completamente de opinião sobre algumas das personagens, sem reparar, durante o filme. Uma autêntica lavagem cerebral do Yorgos.

Olivia Colman ganhou, merecidamente, o Oscar de Melhor Atriz, e o filme teve outras 9 nomeações - incluindo Melhor Atriz Secundária para as outras duas grandes mulheres da trama, e Melhor Filme. Se ainda não viram, The Favourite é paragem obrigatória - um monumento ao cinema, imoral, absurdo, cativante, emocional, belo na sua estranheza. Vai originar algumas torcidelas de nariz se não tiverem a mente um bocadinho aberta...

Tony "Lip" Vallelonga é um americano de ascendência italina, chefe de família, que trabalha como segurança num clube nocturno. Quando este fecha portas para renovações, Tony procura trabalho. A oferta mais promissora surge de onde menos espera - uma vaga para ser motorista de um pianista de renome, Don Shirley, que por acaso era negro.

O facto de ser um homem duro com jeito para usar os punhos foi determinante para ser escolhido, e o motivo começa a ser óbvio cedo no filme - Don Shirley é frequentemente vítima de ataques racistas nesta América dos anos 60. Tony, que é um homem também ele alimentado por alguns preconceitos, começa por torcer o nariz por ter de servir um homem negro e com manias de estrela, mas, em última análise, precisa de alimentar a família e tenta encarar aquele trabalho como outro qualquer.

Portanto, temos um homem do povo, branco, algo preconceituoso, a conduzir um pianista negro, com maneiras nobres e muitas manias e requisitos, pelas estradas americanas - e isto, por si só, é um óptimo começo para um filme que, ainda por cima, é baseado em factos reais. Todos sabemos que, quando a realidade ultrapassa a ficção, ainda ficamos mais intrigados, e embrenhamo-nos mais na história.

É um par estranho que vai vivendo algumas aventuras e dissabores nos locais por onde passa e, apesar de se ter passado há décadas, a história faz ecoar em nós resquícios de um tempo que não ficou assim tanto para trás. O racismo ainda é, infelizmente, assunto do dia, e enquanto houver ódio e intolerância no coração humano, não irá acabar. Ou seja, nunca acabará. São as situações mais extremas que nos abalam e que nos fazem questionar como é que tal foi possível, e como é que ainda é possível, e porque é que julgamos os outros pela aparência, como se a cor da pele ou o local onde nascemos determinassem tudo o que podemos ser.

O par de actores é espectacular e foram feitos para estes papéis. Tanto Viggo Mortensen como Mahershala Ali estão perfeitos (este último um digno vencedor do Oscar de Melhor Ator Secundário), revelando um entrosamento e um trabalho extraordinário para entrar na pele daqueles homens que o destino juntou para lhes mudar a vida. As diferenças entre os dois homens, as suas origens, estrato social, tudo está patente nas linguagens corporais, nos modos e gestos, nas maneiras de falar ou na linguagem a si.

O filme tem muita elegância em todos os seus atributos, como a realização, o visual ou a banda sonora tocante. Agora que já vi quase todos os filmes que foram nomeados aos Oscares, posso dizer que era o meu terceiro favorito à corrida (depois de The Favourite e Roma, dos quais falaremos um dia), mas consigo aceitar completamente a decisão de ter ganho o prémio. Pode ter sido uma vitória política, mas pouco importa. É um grande filme, trabalhado por grandes profissionais, com todos os ingredientes para agradar a um público alargado e muito bem executado, que toca algo no mais profundo de nós.

O filme é inspirado numa história real, e tem como base o livro de Ron Stallworth, de 2004. Nele, Ron relata como foi o primeiro polícia negro em Colorado Springs, nos anos 70, e como se conseguiu infiltrar no KKK.

Apesar de já ser olhado de lado e de sofrer de bullying às mãos dos seus colegas brancos, Ron (John David Washington) não hesitou em responder a um anúncio que visava recrutar membros para a organização de supremacia branca. Chegou a falar ao telefone com David Duke, líder do KKK, que não o identificou como negro ao telefone... E assim Ron, polícia negro, viu-se neste inusitado processo de recrutamento. Mas, claro, era preciso um homem branco para o substituir nos encontros, e eis que Flip (Adam Driver), seu colega polícia, assumiu a sua identidade nessas ocasiões. Quis o destino que Flip fosse judeu, e é apenas um dos inúmeros apontamentos hilariantes. Um negro e um judeu infiltrados no KKK - parece o início de uma anedota.

Apesar do tema ser extremamente sério, e de ficarmos estupefactos com a estupidez infinita do ser humano, o filme é quase como uma sátira que mascara com bom humor os pensamentos e acções chocantes de um grupo de acéfalos, quase como se fossem caricaturas. Apesar de o racismo ser feio, uma das coisas mais feias desde que o mundo é mundo, Spike Lee consegue fazer-nos rir, gargalhar até, com o seu retrato destas pessoas que se acham no topo do mundo só porque nasceram brancas.

É um filme que levanta alguma poeira e que tem muita atitude, com um cunho muito marcante de Spike Lee, que no fundo é um exímio contador de histórias. Só acho que exagerou um bocadinho na duração do filme - algumas partes acabaram por ser esticadas e espremidas sem darem sumo por aí além. Quanto às nomeações, o Adam seria um digno vencedor do Oscar de Melhor Ator Secundário, mas já não tenho tanta certeza quanto ao prémio de Melhor Filme (sendo que já vi melhores este ano). Não deixa de ser um dos filmes do ano, capaz de agradar a todos os públicos, com uma mensagem abrangente e poderosa, humor na dose certa, deliciosos pormenores, com um tema abominável que já devia ter ficado enterrado no passado.

Mid90s é a primeira longa metragem dirigida por Jonah Hill - e que estreia! Conta a história de Stevie, um rapaz de 13 anos a crescer nos anos 90, e a sua saga para pertencer a algum lugar. É claro que a minha geração, que também era criança / adolescente nessa saudosa década, vai imediatamente criar laços com a película - só de olhar para as roupas, as cassetes, as bandas que o puto ouve, e até o facto de se brincar na rua, sem telemóveis e outras porcarias - ficamos emocionalmente colados.

Stevie está naquela idade parva em que já não é uma criança e está longe de ser um adulto. Tem um irmão mais velho que lhe dá umas sovas de vez em quando e não lhe vemos amigos no horizonte. Ele admira os skaters que vê na rua - rapazes mais velhos do que ele, que se vestem e agem de modo peculiar, à margem da lei, que estão sempre rodeados de outros rapazes e raparigas que os admiram. E, é claro, quer ser como eles. Até que arranja coragem para, um dia, se lhes juntar num spot onde aqueles costumam parar e, a pouco e pouco, vai impondo a sua presença, e ganhando o dia, quando eles se dignam a falar com ele ou a pedir-lhe qualquer coisa.

É enternecedor ver a alegria do miúdo quando consegue a atenção dos rapazes mais velhos; é assustador ver como irá contra a família, especialmente contra os ensinamentos da mãe, para agradar aos novos amigos; e, porque o filme é muito bem feito, acabamos a torcer por ele em todas as etapas em que o acompanhamos.

Tudo isto é contado numa narrativa que prima pela simplicidade e crueza. É a história de um miúdo de um bairro normal e todos conseguiremos encontrar um fio que nos une a ele - e um clique faz-se na nossa cabeça porque também passámos por coisas similares. Não há detalhes desnecessários nesta história, o fio condutor é perfeito, levando-nos a rir e a ficar de lágrima ao canto do olho.

A banda sonora é da autoria de Trent Reznor e Atticus Ross, o que é um selo de qualidade prévio. O casting é perfeito e por momentos nem parece que estamos a ver um filme, mas sim cenas da vida real. Poucos filmes me encheram as medidas como este. É um retrato honesto, refrescante, sentido, uma estreia surpreendente de Jonah Hill.

A parte boa desta geração Netflix em que vivemos é que chegam até nós muitos e bons filmes, com imensa gente talentosa envolvida. É o caso de Bird Box, de Susanne Bier, protagonizado por Sandra Bullock e com a participação de John Malkovich e Sarah Paulson. A parte menos boa é que a quantidade traz, por vezes, ideias que já vimos em algum lado, a originalidade perde-se e temos cada vez mais dificuldade em filtrar o que nos vem parar às mãos.

Não obstante, este é um dos filmes que vale a pena ver, apesar de algumas falhas no argumento e da incapacidade de se encaixar na categoria de "terror", como foi apregoado. Suspense, thriller, aceito.

O filme passa-se num futuro apocalíptico onde, de repente, a população começa a suicidar-se sem explicação. A vontade súbita de morrer causa o caos e torna o início do filme muito dinâmico e prometedor. Esta parte em que o problema ainda é desconhecido e em que pessoas, estranhas, partilham o mesmo espaço, as mesmas dúvidas e medos é de facto interessante. Conforme o avançar da narrativa, vão percebendo que o problema está no olhar - quem abre os olhos fora de portas começa a ver coisas que levam ao suicídio. O quê, não sabemos, pois só temos pequenos vislumbres de movimentos e sombras.

Tudo isto passa-se ao jeito de flashback - no presente, Malorie (Bullock) tenta levar duas crianças para um lugar seguro, e propõe-se a atravessar um rio, numa floresta densa e isolada, durante dias, com os olhos vendados. Ela, e as crianças. E apesar da coragem demonstrada e da experiência adquirida, há um sentimento de impossibilidade que se cola a nós, e não podemos deixar de pensar, "yeah right".

Mas isto sou eu que sou incrédula, e considero-o um bom filme, com um leque de actores excelente, uma boa fotografia, e que consegue criar momentos de intenso suspense, que acaba por nos deixar agarrados até ao final. Não deixamos é de pensar nos filmes recentes do género - ainda há pouco tempo saiu um tal filme em que não se podia falar, outro antes desse em que não se podia respirar, agora não se pode ver, estará para vir aquele onde não se pode tocar, ou onde o chão é lava.

Finalmente vi o filme-terror-sensação do fim deste verão, mas digamos que foi muita parra para pouca uva, que é como quem diz, não valeu a ponta de um chavelho. Prometeram-me sustos e cenas macabras mas só obtive bocejos e tédio, ou então estou uma pessoa muito exigente no que ao terror diz respeito.

A freira é uma das icónicas vilãs da saga The Conjuring e tinha tudo para ter uma backstory aceitável, mas talvez o facto de não ter James Wan ao comando das operações tenha contribuído para o resultado ser um bocado "meh". Traduzindo para linguagem de gente, o argumento é pobre e foi esticado ao máximo, espremido para dar uns quantos copos de sumo, mas aquilo podia caber num pequeno shot.

Os clichés são mais que muitos. A história é básica e previsível. Os actores não são grande coisa. As tentativas de meter humor ali para o meio são apenas tristes e desapontantes. Há uma personagem em especial, Frenchie, cuja utilidade é mandar bitaites para aliviar a tensão, e quase sinto vergonha alheia por aquele actor. Valha-nos uma banda sonora porreira e uma fotografia aceitável, que não chegam para salvar a desilusão que senti.

Vale o início e o fim do filme. O resto é encher chouriços. Ainda bem que não fui ver isto ao cinema. Talvez seja destinado a uma geração mais recente que se contenta mais com o visual e com o ambiente da coisa, ou com o susto fácil. Ou então estou uma cínica, ou só de mau humor.

Fui ver o Bohemian Rhapsody ao cinema e saí de lá feliz. É claro que sou suspeita - os Queen são uma das minhas bandas favoritas de sempre e o Freddie Mercury é um dos mais importantes heróis que carrego junto ao peito desde criança, graças aos gostos musicais do meu pai.

Nunca seria fácil fazer um filme sobre um tema que todos conhecem, com músicas que já todos ouviram, com uma história de vida que tem sido explorada e mediatizada há décadas. Quem quer que pegasse neste filme, fizesse como fizesse, seria criticado. E é o que tem acontecido. A crítica diz, por exemplo, que este filme representa os Queen versão Disney, ou que o Rami Malek faz playback (a sério, queriam que o homem cantasse como Freddie?), e ainda que há erros temporais na narrativa. Até os há, mas às vezes, quando se realiza um filme sobre várias vidas e se tem de colocar décadas em 2 horas, torna-se necessário. E se Brian May, guitarrista dos Queen e produtor do filme, concordou com a apresentação dos mesmos, acho que o mero espectador poderá dar um pouco o braço a torcer e aceitar.

É claro que o grande trunfo do filme é a música. Ela fala por si, e aliada a um supremo Rami Malek que, vê-se a léguas, se preparou para o papel de Freddie de alma e coração, apresenta-nos as histórias de como as grandes composições surgiam, como as ideias nasceram, como a banda as defendeu, e como Freddie as suava por todos os poros.

Não considero, ao contrário do que a crítica também apontou, que a sexualidade de Freddie tenha sido demasiado explorada, até porque o maior ênfase foi dado à sua relação heterosexual com Mary Austin - o amor da sua vida, como não se cansava de repetir - e que foi muito importante como rampa de lançamento e inspiração de um Freddie a quem faltava confiança e amor fraterno.

Mais do que uma biografia musical, o filme transporta consigo muitos valores, como a amizade profunda que uniu os membros da banda, ou o valor do trabalho e da preserverança que os fez bater o pé tantas vezes a quem os desacreditava. Também a solidão, o desapontamento, a falta de esperança, de visão, as más influências, a voz do dinheiro, têm papel preponderante.

Resta referir que, pela primeira vez em muito tempo, esteve-se bem num cinema cheio. Sem interferências, conversas paralelas, risadas parvas, este era um público realmente interessado e completamente imerso no que estava a ver. Ouviam-se alguns bateres de pés ao ritmo da música, alguns a murmurar as canções baixinho, até algumas fungadelas, mas isto diz muito acerca do filme que é, das horas de entretenimento que apresentou e do engagement que provocou. Podem ir ver, à confiança!